Reseña: Hametsu no Mars

Mars of Destruction

Hametsu no Mars

(破滅のマルス Hametsu no Marusu)

Año: 2005

Producción: Idea Factory

Género: Horror, Ciencia Ficción

Director: Yoshiaki Sato

Productor: Shingo Kuwana

Episodios: 01 OVA

¿El peor anime de todos?

Durante el año 2010, la humanidad finalmente ha llegado a Marte. Recolectan artefactos con la intención de traerlos a la Tierra, para estudiarlos posteriormente. Una de las naves enviadas explota sobre la atmósfera terrestre, y los artefactos conseguidos caen sobre Japón, liberando un terrible virus que vuelve a la gente loca y violenta. La gente infectada por el 'virus' son llamados 'Iseki-jin' (personas reliquia, o Antiguos) por su apariencia, causada por las mutaciones provocadas. 

El AAST (Anti-unidentified Ancients Special Team) fue fundado. En cooperación con el doctor en estructura, Hiroshi Hyuga, desarrollan un traje de combate, ''Mars'' como su carta triunfal contra los Iseki-jin.

El portador del traje obtiene súper poderes, pero sólo un reducido grupo de gente, que sean compatibles a nivel genético con la armadura, podrán portarla. Takeru, el hijo del doctor, fue la primera persona en vestirla.

Mientras un fragmento que cayó a la Tierra era transportado hacia un laboratorio en los Estados Unidos para su análisis, el transporte es atacado por los Iseki-jin. Ahora Takeru deberá luchar y defenderlo para encontrarle una solución final a este incidente.

Esta reseña contiene spoilers. Si deseas continuar, es bajo tu propio riesgo. 
 
Para ser recordado por siempre, deberás hacer algo memorable. Ya sea si haces algo realmente tan bueno que trascienda el tiempo y te vuelva legendario, o una cagada un fracaso de proporciones épicas, que te convierte en el payaso de todo mundo, provocando que la gente se burle de tí desde la Argentina hasta Zimbawe. El resultado es el mismo: atraerás las miradas de todos, de todas maneras.

Hay un dicho que reza 'No existe algo llamado mala publicidad' y vaya que es cierto. Para ganar notoriedad no es necesario ya ser talentoso o brillante. Fallar espectacularmente también puede hacerte muy famoso. Y el mundo del anime no se salva de tener malos ejemplos. Aquí hay uno muy sonado.

Hametsu no Mars es MUY famoso, pero no precisamente por su calidad. Se le ha llamado múltiples veces el peor anime jamás hecho. Y según el sitio Anime News Network, lo es. Desde hace mucho tiempo, ocupa la última posición de los casi 5,000 animes reseñados allí, y sigue sin ser destronado.

Pero ¿será acaso tan malo como para merecerse esa reputación? Iniciamos su breve análisis, punto por punto.

Malo: La trama (?)

Aunque te parezca increíble, tiene una. El problema es que está tan mal ejecutada, que no va hacia ninguna parte, y es complicada de explicar. Tendrías que verlo varias veces para darte una idea mínima de que se trata, y créeme, no vas a querer verlo más de una vez. A mí todavía me duelen los ojos.

Simple: los Iseki-jin aparecen, matan a algunos civiles, las chicas del AAST ganan tiempo para que Takeru llegue y los mate. Repetir dosis. Aquí tienes tu trama.

Empezando con el enemigo, los Iseki-jin. Literalmente, salen de la nada. Su origen (en el ''lejano y futurista'' año 2010) se explica mediante láminas de texto, como si de un videojuego de la PS1 se tratase. Se supone que ellos son los verdaderos habitantes del planeta Tierra, antes de que sus dominio fuera arrebatado por los humanos. De hecho los Iseki-jin son humanos 'liberados' por el virus, que se han transformado en seres humanoides de tres ojos rojos, y con capacidad de lanzar mortales rayos de luz. El porqué atacan a los humanos no es desarrollado tampoco. 

Por su apariencia, de seguro estarás pensando que son de esos clásicos enemigos a los que los Power Rangers enfrentaban por montones y les ganaban de un sólo golpe. Pues bien, esos tenían mejor diseño. Éstos son una versión pirata, hecha sin ganas. Y para colmo su gruñido característico, es de lo menos intimidante que te puedas encontrar. Tú tratando de asustar a tus hermanos pequeños suenas más aterrador o aterradora que eso.

RRRAAWRRR

En lo personal la historia no se me hizo aburrida. Si hubiese sido bien ejecutada, podríamos encontrarnos a un anime decente, de pocos recursos, pero entretenido. 

El giro de trama del final daría pie a un segundo OVA, suponiendo que le hubiera gustado a más de 3 personas en el mundo. Es un cliché clásico, pero que bien ejecutado pudo haber hecho un cambio positivo, y dado pie a un muy interesante desenlace. Pero no es llamado el peor anime de todos los tiempos sólo porque lo dice Anime News Network y ya. Estamos aquí ante un colosal fallo en trama, personajes y animación. Un gran ejemplo de cómo no hacer un anime.

SPOILER: Los Antiguos son los verdaderos humanos. El alien es su verdadero padre. Takeru despierta de un coma en un hospital, sin piernas. Todo es un sueño. La niña se muere al final. Half Life 3 confirmado. 

Malo: Sus acartonados personajes  

Iniciamos con el héroe y protagonista, Takeru. Es él quien porta la armadura Mars y quien se encarga de eliminar a los Iseki-jin. Salvo que tiene el cabello blanco y los ojos de color, no hay mucho que lo haga resaltar del resto de personajes principales. Quizá lo único que me haga recordarlo del resto de personajes, es que se trata de un clon de Shinji más (hablando de su personalidad, no físicamente), uno bastante obvio. En los demás aspectos, es un prota genérico.

Es el único de todos los demás que tiene ''desarrollo de personaje''. Bueno... si por desarrollo hablamos de copiarnos inspirarnos de la misma relación que tiene Shinji con su padre («¡NO QUIERO PILOTEAR EL EVA-01!» ''Pues te chingas lo siento mucho, porque eres el único que puede hacerlo''), entonces tiene sentido. Sólo tienes que cambiar el EVA-01 por el traje Mars y listo.

El diseño del traje recuerda a Tron. 

Sus compañeras de misión no tienen la misma suerte que él, hablando de desarrollo de personaje. Sólo sabemos que juntos forman parte de la organización AAST y que provienen de distintas organizaciones policiacas. No hay mucha interacción con ellas tampoco, ni diálogos que les den profundidad y desarrollo como personajes. 

Sólo son rostros y voces diferentes, como alguien ya dijo en otra reseña. Salvo eso (y que tienen distinto color de cabello y ojos) no hay muchas diferencias trascendentales entre ellas. 

De izquierda a derecha: Aoi Kurita, Tomoe Nakahara, Yamabuki Un'no y Shizuka Isono. ¿No recordabas sus nombres? No te culpo. Yo tampoco, tuve que Googlearlo para recordarlo, porque así de intrascendentes fueron.

La actuación de voz también dejó mucho que desear. Más bien parecía que estaban leyendo directo del papel sus diálogos en voz alta, en vez de interpretar una escena convincente y darle alma al personaje. Tanto así fue el daño, que ni seiyuus reconocidas como Minori Chihara (Aoi) y Kaori Nazuka (Shizuka) pudieron rescatar con su talento a sus personajes. Hasta ellas se contagiaron de tanta mediocridad.

En mitad del OVA se menciona que todas tienen gran habilidad en el combate y que son expertas en distintos campos, como las armas de fuego, las espadas y la inteligencia táctica. Pero ¿acaso muestran sus habilidades en su lucha contra los Iseki-jin? No. Usan ametralladoras de plasma que rara vez logran hacer daño. La 'inteligencia táctica' pasa a un segundo plano, sólo se lanzan de manera suicida contra ellos a dispararles sin importarles ser golpeadas o estranguladas. 

Siendo sinceros, ellas demuestran ser casi inútiles en batalla. Carne de cañón solamente, esperando ganar tiempo y rogando porque no las maten rápido, esperando que Takeru-kun aparezca para salvarlas y terminar el trabajo. 

Roles estereotípicos como esos, son los que hacen creer a las feminazis hembristas que todos los papeles de mujeres en el anime son iguales: pasivas damiselas en desgracia, esperando a ser salvadas por un personaje masculino, mucho más fuerte y capaz. No les culpo, ejemplos hay muchísimos de roles femeninos así en el anime. Esas son costumbres retrógradas de literatura del siglo 18, que se han negado a morir hasta nuestros días.

Yo les mostraría sus contrapartes: personajes femeninos que sí dan la cara por el erróneamente llamado ''sexo débil'', como Motoko Kusanagi de Ghost in the Shell, Revy, de Black Lagoon, Mikasa Ackerman de Shingeki no Kyojin, sin olvidarnos también de Olivier Mira Armstrong, de Full Metal Alchemist Brothehood. Ellas no necesitan a nadie que las salven, al contrario, sería lo normal que nos salvaran ellas a nosotros. Son capaces de enfrentar a cualquier oponente, por más grande y peligroso que sea, y ponerlo de rodillas. A nuestras amigas del AAST les convendría un curso intensivo de combate con alguna de ellas...

Así te hubieras defendido del cabrón que te agarró por el cuello y casi te asfixia.

En la primer batalla contra las Iseki-jin, una de ellas muere en combate, cortesía de un rayo lanzado por uno de los Iseki-jin, con el cual la decapita al instante. Muere frente a sus compañeras, y no es mencionada durante el resto del episodio. 

Éste personaje ni siquiera tiene un nombre. Su único propósito en la escena es morirse y provocar drama (y ni siquiera hace eso bien). Nada más mira la falta de detalle en su diseño en comparación con sus compañeras.
 

No les importó ver morir a una de sus compañeras en batalla, continuaron luchando valientemente como si nada hubiera pasado.  

Ésta es la escena más curiosa de todo el OVA, y la que se va quedar en tu mente, no exactamente por lo impactante... nada más mira cómo le explota la cabeza y deja en su lugar una fuente de sangre a alta presión. Es más cómico que terrorífico.

Lo peor de todo es que aún sabiendo eso, (fuera de escena) la llevan al hospital para 'ver si pueden hacer algo por ella', y el doctor hasta ese momento la declara como un caso perdido... Vamos a darle el beneficio de la duda y creamos que ese doctor es tan bueno, que podía coserle la cabeza de nuevo y revivirla si le llevaban el cuerpo decapitado a tiempo al quirófano. 

Malo: La música (o mejor dicho, falta de ella)  

Su ''extensa'' banda sonora original consta de a lo mucho 4 o 5 intrascendentes canciones originales, que suenan exactamente como lo son: el menú genérico de una novela visual. Es completada casi en su totalidad por rendiciones de música clásica. No cuenta ni con opening ni con un ending decentes, sólo más texto e imágenes.

No estoy en contra de que se use música clásica dentro de una banda sonora. Otros animes lo han hecho con muy buenos resultados. Evangelion es un ejemplo, Puella Magi Madoka Magica también, Haruhi Suzumiya lo hizo en su película y serie, sin contar animes que por su naturaleza sería obligatorio que contaran con ese tipo de canciones, como Nodame Cantabile o Princess Tutu. 

Ahora una queja personal. Una de las canciones usadas, la Overtura del Barbero de Sevilla, no sirve como un tema de batalla serio. No puedes usar una melodía que la mayoría relacionamos inmediatamente con un cierto episodio de Bugs Bunny.

La música clásica no genera regalías... no hay crimen alguno en que uses melodías de autores como Rossini, Satie, Wagner o Beethoven dentro de tu banda sonora. Que esos temas compongan el 80% de todas las canciones de tu serie, sin una justificación lógica o argumental, es hacer trampa (y al mismo tiempo estirar muy bien el presupuesto). 

Lo imperdonable: La animación  

Parece un anime de bajo presupuesto creado a finales de los 90... la realidad es que es un anime de bajo presupuesto hecho en 2005. 

Me extraña de compañías animadoras de alto calibre, que ya nos tienen acostumbrados a trabajos muy bien hechos, y que en esta ocasión dejaron mucho que desea. 

No estamos hablando de improvisados ni de novatos, sino de arp Japan, Wao World, Studio Elle, Kyung Kang ANIA y Front Line, de indudable gran reputación dentro del mundo de la animación y que ya han trabajado en la animación y diseño de otras grandes series como lo son Ghost in the Shell, Black Lagoon, Death Note, Mobile Suit Gundam Seed Destiny, To Aru Majustu no Index, y Full Metal Alchemist, entre otros. 

La animación de las batallas es lenta y desesperante. No se siente para nada el conflicto, las escenas de pelea son escasas y burdas, la mayor parte de ellas son personajes hablando unos con otros o corriendo. Y en todas de ellas, Takeru sale herido de una forma u otra. Aún contra los enemigos a los que debería vencer con facilidad.

¿Para qué quieres un arma de corto alcance, si sabes que a los Antiguos se les puede dañar a distancia? Because PLOT says so.

Por ejemplo, la explosión del enemigo final me parece más algo sacado de los Looney Tunes que de un anime. Hay mejores animaciones creadas en Flash que Hametsu no Mars, incluso más antiguas. Parece un anime tributo hecho por fans, en vez de un trabajo profesional. 

Lo (único) bueno: Sólo dura 20 minutos

Hametsu no Mars no parece haber sido creado para ser una franquicia de anime, sino como un OVA promocional para su visual novel de la PS2, que salió un año más tarde. El videojuego dice ser basado en el anime y no al revés.

Lo imperdonable está en que la versión del PS2 tenga una mayor calidad de animación, calidad narrativa, diversión... en pocas palabras, que lo superara en todos aspectos. Aquí es donde se puede notar que los productores (Idea Factory) obviamente tienen años de experiencia haciendo Visual Novels y no anime. 

Hablando de nuevo de las chicas del AAST, parecen personajes femeninos genéricos sacados de un simulador de citas, y curiosamente lo terminaron siendo. Cada una representaría (por su diseño característico) algún estereotipo de los tipos de chicas que vas encontrando en éste tipo de videojuegos, a las cuales deberás conquistar. Tenemos a la chica centrada del grupo (Aoi), a la cual nos topamos por lo regular en la ruta A y es la primera opción a conquistar. Está la kuudere (Tomoe) quien al inicio se mostrará fría y distante, pero que nos tomará confianza y cariño conforme pasa el tiempo. Tenemos a una chica moé (Yamabuki) quien por lo regular no se toma nada en serio y siempre está sonriendo. Por último está la que nunca falta en estos juegos, la dandere (Shizuka) quien es tímida pero muy amable cuando comienzas a conocerla. 

No me quejaría que respetaran esos estereotipos. El problema está en que en el OVA, a diferencia del juego, todas tienen la misma inexistente e intrascendente personalidad.

Los personajes unimensionales, la trama simple, las chicas de cabello multicolor que serán tus posibles intereses amorosos, y el protagonista masculino que todo lo resuelve, son tropos clásicos de un simulador de citas, no debería sernos extraño que estuvieran presentes. No será ningún CLANNAD, pero al menos no es malo como el OVA de su propia serie. 

¿Entonces, cuál es mi opinión acerca de éste anime?... 

Veredicto final: Puede irse al Averno

¿Es Hametsu no Mars un mal anime? Sin duda lo es. ¿Merece la reputación que tiene? Por supuesto, se la ha ganado. ¿Es el peor anime de todos? No lo creo. Hay animes mucho peores. Éste al menos tuvo la 'decencia' de ser sólo un OVA. Hay otros que tienen temporadas completas de pura basura. Y tengan por seguro que los vamos a reseñar.

A quién se lo recomiendo: A nadie. Evítalo como a la peste. Ningún ser humano merece tal castigo. Sólo te servirá como entretenimiento si en verdad quieres ver un anime tan malo, que sea bueno. 

Si realmente quieres encontrarte otro mucho peor, dentro de poco conocerás a uno que, comparado con él, Hametsu no Mars te parecerá un Neon Genesis Evangelion.


NOTA FINAL: Raza, finalmente pude lograrlo. Pude hacer una reseña de un pésimo anime sin sobreusar la frase 'de mierda' o derivadas, y tampoco dedicarme solamente a lanzarle arena sin darle un análisis medianamente serio, como muchas otras reseñas que vi y leí. Las que me gustaron y de las que tomé algunas ideas, se encuentran en las fuentes. Por cierto, si encuentran otro anime peor que éste, escríbanlo en los comentarios y con gusto lo revisaré.

Anime ayer, hoy y siempre: Un vistazo al pasado de la historia del anime en México, Parte 1

OJO: este artículo hace referencia a los animes clásicos transmitidos en MÉXICO durante los 60, 70 y principios de los 80. No todo el anime con doblaje latino llegó al país de los charros, los tacos y las enchiladas. Eso incluye algunos que fueron doblados en México, pero no transmitidos. De ellos hablaremos después.

Episodio I

El anime que tus padres veían 

Créelo: tus padres veían anime. Lo llamaban caricaturas. Y estoy seguro que se sorprenderán si les mencionas que sus programas favoritos también son de esas caricaturas chinas del diablo que las que tanto se quejan y que no les gusta que veas. Algunos te lo van a negar, otros no. Pero de que es cierto que veían animación japonesa, lo es.

Muchos otakus latinos piensan que el boom del anime en nuestro continente inició a inicios de los años 90, pero eso no es del todo cierto. Al menos en México (mi país de origen) el anime ya tenía buen camino recorrido, y seguro estoy de que también en el resto de América Latina. Muchas series de nuestros recuerdos, son testamento de ello.

En esta primera parte de Anime ayer, hoy y siempre: Un vistazo al pasado, podrás conocer parte de la historia del anime en mi país, México, al mismo tiempo conociendo el anime que no solamente nuestros padres veían, también nuestros hermanos mayores (y me aventuro a decirlo ¡hasta nuestros abuelos!).

Aceptémoslo, el anime no había logrado el impacto cultural tan grande como sí lo tendría en los años noventas, pero ya se veia venir un gran interés en la animación y entretenimientos visuales japoneses. Importar anime era más económico incluso que traer animación norteamericana, pues ellos creaban el producto pensando en su mercado local, para ellos cualquier ganancia extra estaría bien. Los tiempos han cambiado mucho, lo sé.

No sólo eso, también la cultura japonesa ya se estaba infiltrando poco a poco. Hay animadores occidentales que ahora emplean las técnicas de animación antes experimentadas en el país del Sol Naciente, y mucha de esa influencia lógicamente nació gracias a que tambien son aficionados al anime.

Hay quien dice que ya había grupos de fans de Ultraman, Señorita Cometa (*) o de Mazinger Z en sus años de transmisión en México, pero nada comparable contra el demoledor éxito que tuvieron los Caballeros del Zodiaco, Los Supercampeones o Dragon Ball Z, y programas de TV como Caritele o Nintendomanía. No a esa escala, al menos.

Hoy a mis 27 años, no me arrepiento de seguir perdiendo mi tiempo todavía viendo esos monos chinos, y sin lugar a equivocaciones, todo dio inicio gracias a ese gran impulso que recibió el anime durante esos años. El mundo de la animación japonesa, desde que tengo uso de razón, ha sido para mí un buen escape a otras realidades.

Anime, manga y videojuegos provenientes de la tierra del sol naciente se harían parte de nuestra cultura y de nuestras vidas, quedándose para siempre con nosotros.

Las primeras partes de éste artículo se lo dedicaré a los años anteriores a la que muchos consideran fue la mejor época en programación infantil de la televisión mexicana. Será un largo viaje, así que prepárense. Súbanse, junto conmigo, a la máquina del tiempo de los recuerdos. 

Es imposible cubrir casi 30 años de historia del anime en México en un sólo artículo. Dividí los artículos en 'Generaciones': factores que tuvieran en común, pudiendo ser un mismo autor, una misma compañía productora o un mismo bloque de programación, inclusive años de transmisión. Hay algunas de ellas que se superponen, por cierto. No estamos haciendo una reseña completa de éstos animes. Estas son sólo menciones de series que dejaron huella en nuestros recuerdos, y semblanzas de algunos de sus autores.

Seguramente recuerdas muchos más animes de esas épocas si tienes 25 años o más.  Aún nos falta mucho camino por recorrer, y muchos recuerdos que desenterrar.

1. Tokusatsu y anime: el Sol Naciente esparce sus rayos en México (¡PRONTO!)
2. La generación de Osamu Tezuka
3. La generación de Tatsunoko: la empresa del caballito de mar (¡PRONTO!)

(*) - ¡¡¡Ya sé que Señorita Cometa NO ES UN ANIME!!! Fue un programa de acción real muy famoso, si no pregúntale a cualquiera que le digan El Chivigón el porqué de su apodo.

Anime ayer, hoy y siempre: La Generación de Osamu Tezuka

Astroboy  (鉄腕アトム Tetsuwan Atomu)

  

No fue el que llegó primero, sino el que supo cómo llegar

Astroboy no fue el primer anime para televisión (ese honor le pertenece a Otogi Manga Calendar), pero sí fue el primero en ser el más popular. Su influencia no puede ser negada por nadie. Podemos decir con toda seguridad que el mundo del anime sería otro sin él. Incluso mi propio padre menciona que fue uno de sus primeros héroes preferidos de su infancia.

Fue el primer anime transmitido en México, durante 1974, en su versión en blanco y negro. Aquí su versión en japonés, existe una en latino pero las que he encontrado no se escuchan tan bien.

Su relevancia no ha menguado, ni con el paso de más de 50 años. Nacido en 1963 en formato animado, tuvo en 1980 su primer remake a color (la versión que pude ver por televisión abierta), en 2003 tuvo una encarnación más que recuerdo, la pasaban en el Cartoon Network. A lo largo de su historia también tuvo películas muy conocidas, siendo la última de ellas en 2009, creada en los Estados Unidos de América.

Aquí tienes una pequeña sinopsis, tomada de la Wikipedia:

Astroboy es un robot robot creado por el Doctor Tenma para remplazar a su hijo Tobio, muerto en un accidente de trabajo; al mismo tiempo las fuerzas militares ofrecen fondos ilimitados para la creación de un arma especial. Casi al borde de la locura, acepta el trato viendo así la posibilidad de revivir a su hijo.

El resultado es un robot con cuerpo de niño y sentimientos de humano, tiene vista de rayos X, súper-oído, una inteligencia artificial notable, cohetes en sus botas y brazos, y 100.000 caballos de potencia, a lo que se agrega la posibilidad de disparar contra sus enemigos con dos pequeñas armas instaladas en su trasero.

Leíste bien: dos armas instaladas en su trasero...

Sería una falta de respeto hablar de Astroboy sin mencionar a su creador: el Dios del Manga: Osamu Tezuka (1928-1989) . Si no sabes quién es, lárgate de aquí continúa leyendo, pues conocerás a la figura mas legendaria e importante en la historia del manga y el anime.

Su legado sigue siendo honrado entre los mangakas y animadores. Artistas de la talla de Hayao Miyazaki y Akira Toriyama han citado a Tezuka como inspiración. Tú bien sabes quienes son.

Pocos son los llamados leyendas entre leyendas, y él sin duda fue uno de ellos

Tezuka no fue sólo una celebridad japonesa, sino también internacional. En enero de 1965, después de conocer Astroboy, Stanley Kubrick (sí, el legendario director de cine) pidió a Tezuka ser el director de arte en la que sería su siguiente película: 2001 - Odisea del Espacio. Se decía que a Tezuka le gustaba tanto la película, que escuchaba el soundtrack a todo volumen en su estudio para mantenerse despierto durante noches de trabajo. Lamentablemente, Tezuka declinó la oferta debido a que no podía pagarse vivir un año completo en Inglaterra. Muchos piensan que su decisión se debió a que no quería dejar su estudio de trabajo.

700 tomos de manga en total y más de 150,000 páginas son testigos de su legado como artista. Un hombre apasionado por su profesión, se dice sus últimas palabras fueron 'Se los ruego ¡Déjenme trabajar!'. Así de trabajólico comprometido con su trabajo era él.

Usted dirá, “si fuera uno, o si fuera dos, tres o diez, sería muy bien”, pero ¡700! No es coincidencia... - Josué Yrion

Si alguna vez te preguntaste porqué el manga y el anime tienen ese diseño tan característico de personajes (ojos enormes, cabello imposible, gestos exagerados), todo eso se lo debe a Astroboy. Y no son simples suposiciones mías, es la realidad.

Su diseño nació por la admiración que Tezuka sentía por el estilo de dibujo del cartoon norteamericano, especialmente el de Disney y los estudios Fleischer. Los ojos grandes son mucho más sencillos de dibujar que las expresiones faciales, y también son más efectivos para transmitir emociones. Son el espejo del alma después de todo. 

A Osamu Tezuka también se le considera el equivalente japonés de Walt Disney: no sólo por su talento dentro del cómic nipón y de la animación, sino por su enorme legado e influencia.

Fueron los dibujos de Mickey Mouse y Betty Boop (sobre todo ésta última) quienes en gran medida inspiraron a Tezuka a darle ojos grandes a sus personajes. Tezuka mismo cita a Disney como una gran influencia en sus años formativos. Se cuenta, en la puerta de su casa aún cuelga una fotografía donde ambos se dan la mano. 

Aquí un curioso dibujo de Tezuka, donde sale el pato Donald. No sabemos si lo hizo con permiso de Disney o no, pero de que es real y existe, lo es.

El éxito de Astroboy hizo que otros artistas de manga y anime copiaran asimismo a Tezuka, convirtiéndose en una tendencia que llegó para quedarse. Los ojos grandes y expresivos, los peinados raros... así fue como surgieron y se hicieron parte del estilo de dibujo del cómic y animación japoneses.

Respecto a los peinados imposibles, existe una leyenda urbana que dice que el peinado (o mejor dicho, falta de él) que Tezuka solía tener cuando llegaba al trabajo por las mañanas, fue lo que inspiró el cabello de Astro. Tiene sentido, si me preguntan.

Llegué a ver esa versión en la televisión abierta. ¿Tan viejo estoy?

Sin duda Astroboy fue el anime más reconocido de Osamu Tezuka, pero no el único ni el último que sería llamado legendario. Blackjack, Metrópolis, Jet Marte, Kimba el León Blanco, La Princesa Caballero, son sólo pocos los nombrados de una larga lista de animes que son considerados clásicos inmortales de más de una infancia. Por supuesto, le daremos seguimiento a ellos en esta página.

Jet Marte  (ジェッターマルス Jettā Marusu)

Imagen creada por el usuario reijr, de DeviantArt. ¡Felicítenlo, le quedó muy bien!

El hermano perdido de Astroboy

Por cierto... ¿Recuerdan también a Jet Marte? ¿El otro niño robot, con un sospechoso parecido a Astro? Pues no es coincidencia, versión china ni plagio descarado, ambos son hijos de Tezuka-san. 

Durante 1977, Tezuka planeaba hacer una nueva adaptación al anime de Astroboy, pero esta vez a color. Mushi Productions (estudio donde trabajaba) estaba en bancarrota, lo cual lo llevó a convertirse temporalmente en director de animación de Toei Animation. Los derechos de autor de sus personajes estaban en el limbo debido a la bancarrota de Mushi, y Toei lo presionaba a tener la serie lista antes del tiempo límite impuesto. 

Esto orilló a Tezuka a re-diseñar completamente a sus personajes, y crearles una nueva historia. Así nació Jet Marte (o Jetter Mars si eres gringo). Aquí la sinopsis:

Ambientada en el año 2015, es la historia de Marte, un robot que tiene diversas preocupaciones y que crece como un niño humano. El nombre de Marte es por el dios de la guerra de la mitología romana. El Dr. Yamanoue, creador del cuerpo de Marte, trata de usar el robot para propósitos militares, mientras que el Dr. Kawashimo (en Hispanoamérica el Dr. Sopa), creador de la inteligencia artificial de Marte, se opone fuertemente a esa idea.

Esta es la historia de un androide que se debate entre su "cuerpo para combatir" y su "corazón para amar". El concepto del conflicto entre dos fundamentos distintos dentro de una persona es una de las temáticas preponderantes de Tezuka.

Trasmitido en Argentina, Chile, México, Venezuela, entre otros, dentro de nuestro continente americano ganó muchos seguidores, y es recordada también con cariño. 

Doblada en la Argentina, en una época donde otros grandes clásicos infantiles también lo fueron, como La Princesa Caballero, Candy Candy, y La Princesa de los 1,000 años. 

Fue recibido con sentimientos encontrados por los fans de Astroboy, pero aceptado por muchas otras personas como un producto nuevo y original, como era su intención. Esa reacción mixta lamentablemente no le agradó a Tezuka, e hizo que perdiera interés en esta serie, finalizándola con tan sólo 27 episodios. 

Años después fundaría Tezuka Productions, habiendo recuperado los derechos de autor de sus personajes, y dándole la adaptación a color a Astroboy tal y como la imaginó desde un principio. Ésta sería un éxito, tal como lo fue su adaptación original de los 60.

Kimba, el León Blanco  (ジャングル大帝 Janguru Taitei)

  

El león que no es rey, sino Emperador de la Jungla

Kimba, el León Blanco, también conocido como Leo el Emperador de la Jungla en Europa, fue el primer anime a color para televisión en Japón. El título europeo se parece más a su original nombre en japonés, por si me preguntas. 

Su fama es tal, que el equipo japonés de los Leones de Seibu tuvo a sus personajes como mascotas oficiales del equipo durante un tiempo. En las fuentes podrás encontrar el link por si quieres una franela de equipo, con Panja y con Kimba.

Quizá no conozcas a sus personajes o su trama. Es más: quizá no hayas visto un sólo capítulo de este anime. Pero de seguro conoces su gran legado e influencia. Te dejo la descripción de Wikifur (Ver nota original):

La historia se sitúa en África, en medio del Siglo XX, con el león blanco Panja (llamado Cesar en la versión española e inglesa). Panja era un gran rey, protector de los animales salvajes, y respetado por los nativos. Construyó, gracias a su poder soberano, un lugar seguro para todos los animales de África. Pero Panja no considera a los humanos, y roba su ganado para dar de comer a sus súbditos, creando disconformidad y odio entre los aldeanos.

Un cazador, Ham Egg (En ingles llamado Viper Snakely), es llamado para detener a Panja. Este tiene una gran idea: no confrontara a Panja, sino que le hará una trampa. Consigue grabar los sonidos de Panja, para atrapar a su pareja, la leona Eliza (Snowene en la versión inglesa). Esto genera que Panja vaya a salvar a Eliza, pero es asesinado, y la leona es enviada a un circo.

En el barco con destino a dicho lugar, Eliza (quien estaba embarazada) da a luz a un cachorro de león blanco, Leo. Eliza le explica todos los ideales de su padre al pequeño cachorro, y en una noche de tormenta, las ratas del barco salvan a Leo de morir ahogado, pero teniendo que dejar a Eliza atrás. Leo debe aprender a nadar, cosa que ningún león hace en la vida real, y un pez le ayuda a llegar a África, también ayudado por un camino de mariposas enviadas por su madre, quien desde el cielo le ordena que vaya a su tierra y gobierne.

Leo llega a África y es tomado en adopción por una familia humana. Ahí el león blanco aprende los beneficios de la civilización, y planea que al llegar a su tierra natal implementaría los mismos para el bien de todos los animales. Pero Leo entonces aprende que para lograr todo eso, se necesita de comunicación, y de mutuo entendimiento entre animales y humanos.

De entrada, te toparás con el Tezuka Star System, con el ejemplo de Ham Egg. Muchos dirán que es puro y vil auto-plagiarismo, pero eso va más allá que simple copy-paste. Tezuka reutilizaba diseños de sus personajes para darles un rol distinto en sus otros trabajos, respetando su alineación la mayor parte del tiempo: villanos eran villanos, y héroes eran héroes. Vete acostumbrando, que lo vas a encontrar mucho en sus animes. Para que vean que ésto no es algo nuevo... y se da también entre un mismo autor el re-utilizar diseños similares.

Hay una recopilación muy completa del Sistema Estelar Tezuka en la página de Ounomachi (que por cierto deberías visitar también, hay contenido muy interestante). Podrás verla pinchando aquí.

Un mejor ejemplo de auto-plagiarimo necesario sería lo que ya vimos con Astroboy y Jet Marte. Y hablando de acusaciones de plagio... tenemos una muy famosa con éste anime.

Seguro ya estarás notando algunas 'similitudes' en la historia de Kimba con el clásico de Disney, El Rey León, y no eres el único o única. 

Imagen del usuario Fadri, de DeviantArt

De hecho, en Japón durante 1994 (año de estreno de la película), más de 1100 artistas y fanáticos de manga y anime firmaron una petición solicitando que Disney reconociera que su película El Rey León está basada en los personajes y situaciones de Kimba, el León Blanco. Eso no tendría nada de interesante hoy en día que tenemos Change.org, pero recuerden chicos, era 1994. Era mucho más impresionante juntar tantas firmas.

Aquí están las coincidencias más notorias:

• El protagonista se llama Simba (la más obvia). Simba significa León en swahili, idioma que también fue utilizado para dar nombre a otros personajes en la película de Disney. Originalmente el nombre para Kimba iba a ser Simba, pero no era registrable y por eso se terminó llamando Kimba.
• Ambas son protagonizadas por leones en África.
• Ambos tienen un diseño algo parecido: peinado similar, bordes de las orejas en color negro. No es común que un león tenga éste último detalle.
• El padre de ellos es el rey, muere al principio del filme/serie, y deja al joven cachorro como el heredero al trono.
• El joven cachorro, para salvar a sus amigos herbívoros, decide dejar de comer carne. Kimba prueba comiendo primero hierbas, para luego terminar comiendo insectos. Simba aprender a comer insectos mientras se encuentra en el exilio, con Timón y Pumba como sus compañeros. Viscoso pero sabroso...
• El hijo regresa del exilio y lucha consigo mismo acerca de la responsabilidad de convertirse en el nuevo rey.
• El hijo derroca a un malvado león que ha usurpado el trono en su ausencia.
• Es ayudado por un babuino/mandril, y un ave parlanchina. Los leones malvados tienen a hienas como sus secuaces.
• El león malvado usurpador (Bubu, o Garra) en Kimba tiene una melena negra y es tuerto. El león malvado en Disney (Scar, o Cicatriz) también tiene melena negra, y una cicatriz en uno de sus ojos.

En éste video vas a encontrar muchas escenas que sin duda te dejarán pensando. Está en inglés, activa los subtítulos si no le entiendes, pues.

Roy E. Disney, nieto del legendario fundador de la compañía del ratón, llamó Kimba al león protagonista de su serie, en una respuesta a una usuaria de la red Prodigy llamada Jill, que encontrarás aquí (en inglés). Aquí la traducción del mensaje:

Jill, preguntaste si teníamos algunas ''lindas figuras maternales'' en el futuro animado de Disney. Espera a que veas ''El Rey León'' el próximo verano, y a la madre de Kimba. Es preciosa.

Rob Minkoff, co-productor de El Rey León, menciona no estaba al tanto de la historia de Tezuka durante el período de pre-producción, y que se enteró de la controversia cuando junto con el otro co-productor, Roger Allers viajaron a Japón para promocionar el filme. 

'Lo sorprendente para mí es que nadie tocó ese tema' también menciona no puede dejar fuera la posibilidad que ese tema haya sido tratado antes de que él se uniera al proyecto en 1992, cuatro años después de su creación. Agregó que la línea argumental básica y muchos personajes ya estaban desarrollados cuando él entró.

Sí, cómo no... coincidencias mis polainas

Uno de los animadores principales animadores de Disney, Shawn Keller, vistió un disfraz de Kimba (hecho por sí mismo) a la fiesta del cast y sesión de fotos. Este dato no lo puedo confirmar, lamentablemente.

Sería lógico pensar que en un principio realmente estuvieron planeando un re-make, aunque luego lo negaran años después.

Hasta en los Simpsons se mofan de la controversia, y del parecido entre ambos nombres. Una mención al incidente aparece en el episodio 22 de la temporada 6 'Por la ciudad de Springfield'. Es el episodio donde Encías Sangrantes Murphy muere, no sin antes querer despedirse de Lisa con un dueto de sax, apareciéndosele entre las nubes. Pero antes se topará con otros 'colados' en su despedida.

Mufasa y Darth Vader comparten una misma voz en inglés: la de James Earl Jones. Es el que sale a la derecha, como narrador de CNN. El chiste sólo funciona en su idioma original.

Matthew Broderick, voz de Simba adulto en inglés, de hecho creía que iba a participar en un remake de Kimba en lugar de El Rey León. Cabe mencionar que Kimba fue uno de sus programas favoritos de la infancia. No lo culpo por la confusión.

Rob Minkoff, cuestionado por las aparentes similitudes, menciona que mientras la historia sea basada en África, no es inusual tener personajes como babuinos, hienas y aves.

Los productores y animadores de El Rey León niegan rotundamente haberse inspirado en Kimba, pero la evidencia juega en su contra. Las similitudes en algunas poses y situaciones son realmente sorprendentes. Hay escenas que dejan poco espacio a dudas. Está la mas famosa, de Kimba Simba en el borde de la Roca de Rey, y algunas otras comparativas que otros usuarios han subido a la red.

Más que homenaje, parece una calca.

Aqui tienes una pequeña preview de lo que (probablemente) iba a ser el remake de la historia de Kimba, y terminó siendo el Rey León. No queda claro si el león blanco que está jugando con una mariposa originalmente iba a ser Simba o un personaje que no fue tomado en cuenta para la película, llamado Mheetu, quien iba a ser el hermano menor de Nala. La versión oficial es lo segundo.

De todas las partes implicadas en esta polémica, los menos interesados respecto al tema, irónicamente fueron los mismos de Tezuka Productions. Cabe recordar que el mismo Osamu Tezuka era un fan de Disney, y el creador de Mickey Mouse, lo era de él. Admiraba tanto el trabajo de su contraparte japonesa, que Walt estaba interesado en hacer 'algo como Astroboy' en un futuro.

Takayuki Matsutani, el actual presidente de Tezuka Productions mencionaba en 1994 que pese a lo parecidos que pudieran llegar a ser ambos proyectos, no podían evitarse las similitudes, mientras se usaran animales como personajes e intentaras hacer dibujos de ellos. Incluso, afirma que si el mismo Tezuka hubiera sabido que Disney tomó ideas acerca de uno de sus trabajos, le habría dado mucho gusto. Es por eso que no quisimos poner una demanda. Para ellos, El Rey León es un proyecto muy distinto a Kimba. Y lo es. 

Uno trata sobre Kimba protegiendo su reino contra cazadores furtivos y enemigos diversos, al mismo tiempo siendo amigo tanto de animales como humanos. En la historia de Simba los humanos no participan, y su batalla es mas una lucha personal contra Scar y los enemigos de su manada, también siendo una lucha igual por encontrarse a sí mismo y retomar el reino.

Si hubo una obra que bien puede aludirse ''plagiada'' por los estudios Disney, no lo es tanto la obra de Tezuka, sino el clásico de la literatura inglesa de William Shakespeare, Hamlet.

Para muestra, les dejo un interesantísima comparación entre ambas obras, de parte del sitio DefensaCentral.com. Lee el original aquí: 

La famosa película infantil de Disney 'El Rey León' fue estrenada en 1994 y cosechó un gran éxito de forma inmediata. Parte de este buen resultado se debe a que empleó en su trama elementos dramáticos de la obra maestra de William Shakespeare 'Hamlet' (1599-1601). Por ejemplo, en la película de animación Scar mata a su hermano Mufasa para conseguir el trono, al igual que sucede en el clásico de la literatura con el asesinato de Claudio a su hermano. 

Además, en el filme al protagonista se le aparece el fantasma de su padre, tal y como sucede en 'Hamlet'; sin olvidar que en ambos casos cuentan con un par de personajes fundamentales relacionados con el principal (Rosencrantz y Guildenstern por un lado y Timón y Pumba por otro). 

De todas formas, 'Hamlet' no es la única referencia que tuvo la película, pues el nombre de 'Scar' para el malvado león también tuvo su origen en la famosa cinta del cine negro 'El precio del poder' ('Scarface', 1983).

¡Ay, pobre Yorick! Yo le conocí, Horacio: era un hombre de una gracia infinita y de una fantasía portentosa.

Disney acepta que gran parte de la inspiración para su obra nació tanto de Hamlet como de Bambi, tanto asi que durante sus años de desarrollo, se le llamó al proyecto 'Bamblet' a modo de broma.

A final de cuentas, nunca ha habido un pronunciamiento oficial si realmente Disney quería hacer un remake de Kimba. Supongo yo Disney no obtuvo los derechos de autor a tiempo, y no tuvo más remedio que hacer una obra distinta en su lugar, que por sí misma y sin duda se ganó los corazones y respeto del público en general. A mi parecer, esto pudo haber sido lo más viable. 

Inspiración, homenaje, plagio o coincidencia. Todo queda a tu criterio.

La Princesa Caballero (リボンの騎士 Ribon no Kishi)

Algunas princesas no están dispuestas a esperar que un príncipe las rescate. 

La abuelita de Utena

Conocida en Latinoamérica como La Princesa Caballero, y en España como Chopy y la Princesa. Éste último título utilizó el nombre de su primera incursión en el mercado norteamericano. Ribbon no Kishi (El Caballero del Listón) fue uno de esos animes que recuerdo haber visto en la época de Caritele, en 1994. Ya antes había sido traído a México en 1975 por Televisa, y tuvo su retransmisión en la casa de enfrente.

La Princesa Caballero nos narra las aventuras de la princesa Zafiro, quien pretende ser un príncipe para evitar que el malvado Duque Duraluminio herede el trono del reino del Valle Plateado. Él buscará a toda costa revelar la verdadera identidad de Zafiro para quedarse con el poder.

La princesa caballero logró por sí sola lo que muchos otros animes no pueden siquiera soñar: crear un género nuevo del manga y la animación japonesa, inspirar trabajos con temas similares, y lograr la atención de un público que hasta esas fechas era ignorado: el público femenino.

Tezuka-san lo volvió a hacer. No contento con haberle dado su look característico al anime en general y de hacerlo popular, creó y definió un género nuevo en el mundo del manga y el anime: el shōjo. Incluso se le considera un prototipo del mahō shōjo.

Aquí la descripción de la Wikipedia:

En el cielo se asignaba el sexo a niños y niñas mediante la entrega de un corazón azul a los niños y un corazón rojo a las niñas, uno de los querubines no quiere dejar de serlo, por lo que entrega a una de las niñas (Zafiro) su corazón azul, por causa de la travesura de Cachito (Chopy), quien en castigo es enviado a la tierra para corregir su error. La historia comienza realmente cuando, después de algunos años, el ángel con apariencia de duende encuentra a la chica y trata de convencerla en devolverle su corazón azul extra que le dio. Al nacer su situación es ya de por sí complicada: en su reino rige la ley sálica por lo que el rey hace pasar a su bebita por varón para evitar que nobles inescrupulosos tomen el poder. La princesa crece vistiéndose como hombre, pero al llegar a la adolescencia conoce al príncipe de un reino vecino y se enamora de él. Ella y el príncipe deberán luchar contra los malvados que les quieren arrebatar el poder.

La historia de una chica que viste ropas de hombre, combate hábilmente con una espada y desafía prejuicios de género, no es algo nuevo en la historia de la literatura, cine y televisión. Muchos recordarán la historia de Catalina de Erauso, como un ejemplo de la vida real. Una mujer retando al rol pasivo que la sociedad le impone siempre es algo interesante para ver. Lo que convierte a Zafiro en una verdadera chica revolucionaria fue el simple hecho de ser un personaje animado, en un programa dirigido principalmente al público infantil.

Pese a lo prometedora que resultara ser esa premisa para un público en busca de un personaje femenino fuerte e independiente, La Princesa Caballero no es tan transgresora, más bien es un producto de su tiempo. Pero una obra así nacida en un país machista como Japón siempre será algo inusual. El blog Guillermocracia lo resume de manera perfecta. Aquí tienes el artículo completo. Cito:

Un aspecto complicado de este manga o anime es su visión estereotipada de los roles, algo esencial si se considera que parte importante del conflicto deriva de cuál identidad terminará abrazando Zafiro, si la de hombre o mujer (¡o ambas!). En ese sentido debemos asumir que es un manga de Japón de la década de 1960, y por lo tanto, peca de ser algo machista. Zafiro dentro de su rol masculino es fuerte, valiente, idealista y decidida, mientras que dentro de su rol femenino es hipersensible, asustadiza, y muy necesitada de alguien a su alrededor, idealmente varón, para que la rescate. Salvo por Zafiro, el peso de la historia recae de manera casi íntegra en protagonistas masculinos, y los escasos personajes femeninos que rondan por ahí, o son villanas, o son chicas seductoras, o son marimachos. Pero se le puede perdonar porque es un producto de su época, e incluso puede decirse que era bastante progresista para sus días. Después de todo la princesa Zafiro es una chica valiente y determinada, aunque sea por haberse engullido un corazón masculino, y eso no es algo que suela encontrar a menudo en el canon de las princesas Disney, y menos las de esa época. Además de eso, ella se siente a gusto siendo una mujer con características de hombre, es decir, reventando justamente los estereotipos de género en que la obra a ratos incurre.

Pero ¿qué fue lo que inspiró en gran medida a Tezuka-san a hacer algo tan fuera de lo ordinario para una serie animada de ése tiempo? La respuesta yace en su infancia misma.

Cuando niño, su madre lo llevaba frecuentemente al teatro de Takarazuka, lugar donde ellos vivían. La compañía de teatro Takarazuka Revue presenta obras completamente actuadas por mujeres, incluyendo los personajes masculinos. 

Es conocida por sus musicales románticos dirigidos al público femenino, teniento esto un gran impacto en los trabajos futuros de Tezuka, incluyendo los diseños de vestuario. 

Años después, La Princesa Caballero tendría su propio musical también. No sería hecho en Takarazuka, pero sí heredaría el estilo principal de las obras hechas allí.

La princesa caballero no solamente protagonizó una revolución en los conceptos pre-existentes del anime y el manga: inspiró otras dos más, que crearían fama por su propia cuenta. 

Se podría considerar a Zafiro como la 'mamá' ideológica de Lady Oscar, de La Rosa de Versalles. Éste anime está ambientado durante la revolución francesa, y su protagonista es la capitana de la guardia imperial. Ambas deberán proteger sus respectivos reinos a capa y espada, al mismo tiempo ocultando su verdadera identidad a los ojos de la gente. Lady Oscar puede presumirle a Zafiro que en su anime la gente es mas tolerante con el hecho de que sea una mujer quien los proteja de sus enemigos.

Por lógica también se le consideraría la 'abuelita' ideológica de Utena Tenjō, de Shōjo Kakumei Utena. Utena, la chica revolucionaria, es una muchacha de 14 años que usa ropas tradicionalmente masculinas, y se enfrenta a los peligros que amenazan tanto a sus amigos de su escuela, como a evitar que los malvados tomen el poder para revolucionar al mundo. Al igual que Lady Oscar y que Zafiro, Utena es hábil con la espada, y una experta duelista. 

Esos son un par de animes sumamente recomendables, que lamentablemente no lograron la fama y el reconocimiento que debieron tener dentro de nuestro país, pero que no dejan de ser imperdibles clásicos de la animación japonesa. Más información de ambos animes en siguientes posts.